ギタリストのための音作りbot(@gt_sound_making)の中の人のブログ。ギターのバンドの中での音作りに関することやバンド全体での音作りやおすすめの機材紹介などの記事を書きます。中の人はバンドでギターを弾きつつPAとしてライブハウスで働いています

バンドの表現力を上げる最上の方法。



いきなりですがあなたはコピバンと聞いてどんな印象を持つでしょうか?




「コピバンなんて自分たちで曲も作れない雑魚たちでしょう?」
はい、そう思った人は今すぐにこのページを閉じて自分の楽器にライターオイルをぶっかけてマッチで火をつけてください。

どうしてこんなにきつい言い方をするかというとコピーをすることは楽器をやる上で非常に重要だからです。

僭越ながら筆者もプレイヤーとしてそれなりの評価をいただいているのですが学生時代にはひたすらにコピーをやっていました。
コピーした曲数は500曲はくだらないです。

と、私の話はそれくらいにしておいてなぜコピバンが重要なのかお話します。


そのためにまず書道家の柿沼康二さんの言葉を引用させてください。


柿沼康二 5歳より筆を持ち、父・柿沼翠流をはじめ、手島右卿、上松一條に師事。東京学芸大学教育学部芸術科(書道)卒業。2006年 - 2007年プリンストン大学特別研究員(客員書家)。
受賞歴として第4回手島右卿賞、第6回国井誠海賞、独立書展特選、独立書人団50周年記念賞、毎日書道展/毎日賞(2回)など。
2007年のNHK大河ドラマ「風林火山」や、2008年の映画「アキレスと亀」(北野武監督)で題字等を揮毫。 wikipedia

「手本を本気で真似よう真似ようとして、どんどん個性をなくしていって、それでも出てしまうのが自分の個性」

日本TV系列「先輩ROCK YOU」にて

これは書道に限らず楽器にも言えることだと思います。
自分の個性を見つけ出すためのプロセスであり自分を殺して真似ようとしていく中で表現力もつく。
こういった経験の浅いプレイヤーはすぐにわかります。
いろんなところに雑が出てくるんです。

コピーをやる際にバンドスコアを見て楽譜通りに弾けたり叩けたりして満足してしまっていませんか?
楽譜通りのリズムと音で済むのであれば人間はいりません。
打ち込みで十分。

楽譜通り弾けることが大事なことじゃない。
というよりもそれは当たり前のスキルであってそんなこたぁなんの自慢にもならないんです。

間の取り方、音の長さ、強弱のつけ方、リズムの取り方、ミュートの加減etc...そういったもの全部を再現してみようとしてみましょう。
そうしたら自分に足りないものが沢山見えてきます。
ここまで各自が家でやってくるレベルのお話。

そしてこれをバンドでやるんです。
バンド全体での音の作り方、リズムの取り方、誰が前に引っ張るか、後ろに引っ張るか、それともここはタイトに刻むのか。
そういった課題がさらに広がります。

こういったことを自然にできる天才は確かにいます。
でもこの記事を読んでる大多数の人や、もちろん筆者も凡人です。

凡人が天才に勝つには地道にやるしかないでしょう。

またほとんどのプロのバンドがこういったことを意識して曲を作っています(前述の天才は除く)。
それが売れるバンドと売れないバンドの差の一つなのです。(他にもマーケティング戦略のうまさとかそういった要素もあります。)
売れているバンドが曲を作るとき、表現を固めていくときのプロセスを追体験することによって自分達自身の曲へのアプローチが大きく変わっていきます。
ひたすらコピーして真似て真似ていくことで視界が一気に開けるはず。

方針をすこ~し変えます。

こんばんは。またらんです。

今まで音作りに特化して記事を書いてきましたが、バンドに大事なのは何も音作りだけでない。(わざわざ言うまでもないことですね)

そのためこれからはいろいろな面からバンドのことも記事にしていこうかなぁなんて思っています。

バンドとしての質が上がればおのずと高いレベルのことにも頭が回ると思いますし、そうなるとより音作りというものに対する意識も高くなると自分は考えていますので。
実際的に音がいいけどバンドとしていまいちパッとしないバンドよりも、音もよくてしかもバンドとしての完成度が高いほうが音が良かったって印象がより強くなると思います。
よりいい音を見せる(ちょっと変な表現ですが)ためにも多角的にバンドのことについて触れていこうと思いますのでこれからもギタリストのための音作りブログ並びにギタリストのための音作りbotをよろしくお願いします。

(しかしどんどんギタリストのためだけでない内容になってきているなぁ...)

共感なくしてバンドは売れない


さて売れるバンドの要素は何だろうと考えたことはあるでしょうか?


ある日ツイッターを見ていると
最近は一緒にやることもない後輩バンドがCD全国流通決まったと、
ディスク○ニオン○○店さん、ポップまで作ってありがとうございますとか

audi○leafのトップページを見てみるとランキング上位に昔対バンしたバンドが...




でもどっちのバンドもたいして良いとも思わなかったし別に技術も曲も並みかそれ以下レベルだったんだよなぁ。
そしてじゃぁ今は進化したのかなと思って聴いてみると別に当時とレベルが変わったわけでもなく。
あ、でも対バンしたときにお客さんはそれなりにいた気がする。

逆に楽曲も演奏レベルも曲のクオリティがめちゃくちゃ高いバンドでも全然お客さんがいなかったり。

もちろんどのバンドも集客を何かしらの方法で頑張っている。
じゃあなんでこの差は生まれてしまっているのか。



じゃあまずいつの時代も普遍的に流行るラブソングが何であるんだろうというところから考え始めてみます。



だいたいどのバンドにもラブソングや失恋曲ってものがある。
なぜみんなそんなに恋愛の曲を書くの?そしてなぜそれが人気になるの?
ずばり恋愛とは多くの人に共感を呼ぶものだからでしょう。
特に恋愛系の曲の歌詞は誰にでも当てはまりやすいように書かれています。
(ある程度ターゲットを絞ってる場合もあるかもしれませんが)
例えば西野カナの会いたくて会いたくて震える
なんてフレーズ。
サブカル気取りからは震えねぇよwwなんて突っ込みも入りますが共感できる人もいるのではないでしょうか(あくまで大げさに書かれた歌詞だと解釈するのが前提ですよ)


さて次にフォーカスしたいのは最近流行りのラウド系。
こういったバンドってライブの時にみんなでサークルモッシュしたりツーステしたりとその状況をみんなでシェアするのが核になっています。
だから乗りやすい曲。
イントロでウォールオブデスで入って、そこからサークルモッシュ、Aメロはツーステ、Bメロはジャンプ、サビでモッシュそんでブレイクダウンしてハーコーみたいな構成が好まれたり。(V系でもこういう風潮がありますね)



そして楽しいという気持ちをみんなと共有することによって逆説的に自分も共感される。
こういったところが流行ってる要因であるわけですよ。


さてというわけで相互作用的に感情をシェアするというのが売れる要因の一つであるとここでは結論付けさせていただきます。


じゃあそれでどうすればいいんだっていうところにも少し触れていきましょう。


まず上記のことからそのまま使えるのは共感される曲を書く、盛り上がる曲にするとなりますが売れてないバンドからするとこれもなかなか難しいものです。
ライブだけで共感してもらえるほど曲が伝わるのか、お客さんがそんなにたくさんいないから必然的に盛り上がらないとかね。

ですので簡単にできる方法をここで紹介します。

各バンドそれぞれツイッターやブログなりやっていると思います。
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そこであなた自身のことを書いてみましょう。
あなたの経験だったり考えだったり。そういったことを見せていくとあなたという個人が見えてきます。そうなると"あなた"と"あなたが書いた曲"に魅力が生まれてくる。
つまりあなた側の情報を発信することによって共感を呼びやすくなってくる。

そして曲の歌詞、その歌詞に込めた思い、作られた状況なんかを出していくとより共感を呼びやすくなっていきます。
そして徐々にそれに対するリアクションが来るようになってくると良いサイクルでいろいろな気持ちをお客さんと共有できるようになっていきます。(もちろんそこにアクセスを増やすための努力は不可欠です)
つまり相互の共感が達成されるわけです。
そういったことを地道にやっていたバンドが最初に例にあげたような成功に結びつくのでしょう。





ピッキングする場所で音色をコントロールする。


こんにちはまたらんです。

みなさんギター(ベース)を弾くときにピッキングの位置は気にしていますか?
こういうところも意識しなければいい音は出せません。

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拙著の記事でも数多く技術が大事といってますがそういったところの一旦がこのポイントです。

まずはギターを出してアンプにつないでクリーントーンでコードをひとつ何も考えずに弾いてみましょう。

次にブリッジのすぐそばでストロークしてみましょう。

そのあとにネックにだいぶ近いところでストロークしてみましょう。

違いが分かりましたか?
ブリッジよりで弾くと硬くてブライトな印象

ネックよりで弾くと柔らかくもこっとした印象

になると思います。

クリーントーンに限らずこのような音の違いは歪ませていても大きく出ます。
(歪ませすぎていたら分からないかもしれませんがそれじゃあニュアンスが出せる音作りとは言えませんね)

これが分かってくると例えばブリッジミュートの際に音がもこもこしすぎちゃうななんて時にピッキングをどう変えればいいかが分かってきます。
(もちろんピッキングの振り抜く速さやミュートのかけ具合やピックの角度等様々な要素が絡んできますが)

こういったことに気を付けて曲の中でもこのフレーズはこういう音色にしたいからと微妙な差をコントロールできるようになってくると一人前です。

ですので例えば
なんかこの歪みエフェクター音がキンキンしちゃうから売ろうかな
なんてなる前にピッキングを改善してみましょう。

ピッキングを変えてみたら音が悪いと思ってた機材がいい音を出すことなんてざらですよ。

まぁそうなった場合つまりは自分の技術が足りなかったとなるわけですが。

そういうところをしっかり見つめなおしていい機材を弾きこなすに足る技術を身につけましょうね。

やっとこさ

やっとこさ忙しさから解放されました。

これからまた記事追加していきますので皆様お楽しみに。

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